Cruzado de negativo a diapo

En 1986 realicé mi primer cruzado, que entonces nadie llamaba así. De hecho casi nadie lo hacía. Fué con una diapositiva ektachrome 64 que mandé revelar en proceso C41, de negativo. El laboratorio (Ros) pensó que se había equivocado y me pidió disculpas. Pudimos recuperar los negativos antes de que acabaran en la basura después de decirles que estaba bien, que no se habían equivocado, que eso era lo que yo quería hacer.
Despuès de ese experimento continué haciendo otros por el estilo hasta hacer del cruzado una costumbre mia. Unos años después leí en un artículo que el revelado cruzado lo había inventado no se qué fotógrafo estadounidense en el 86 o en el 88.
Esta foto es un cruzado de negativo a diapo con un primer revelado de menos de un minuto. La diapositiva pasa por dos baños de revelado. El primero produce la imagen de plata, en blanco y negro. El segundo baño realiza el revelado en color. Las densidades dependen del primero de ellos. La razón para subrevelar tanto es una sobreexposición fuerte, como se ha dado mucha luz durante la toma compensamos revelando poco tiempo. Pero al acortar el revelado por debajo de un mínimo el baño no actúa uniformemente. Se dice que los líquidos necesitan al menos un minuto para atravesar las diferentes capas de la película y empaparla por completo. El resultado aquí es que algunas de las capas de color no se invirtieron sino que se quedaron en negativo, lo que produjo una combinación de colores bastante más extraña que la que normalmente hubiera conseguido de haber expuesto y revelado normalmente aun usando un cruzado.

Ana Azcárate, en negativo revelada en proceso de diaposiva muy sobreexpuesta y muy subrevelada.

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Refuerzo de primera clase

Refuerzo de compensación de exterior. Situación: la figura está en un interior y hay un fondo mucho más claro. Añado un flash para proporcionar a la figura la misma luz que hay en el fondo. La foto se realizó durante las pruebas de compra del flash.
Foto 1: Foto final, con el fondo y la figura igualmente expuesta.
Foto 2: Lo que pasa si expongo para la figura. El fondo queda sobreexpuesto.
Foto 3: Lo que pasa si expongo para el fondo, la figura queda oscura.
Foto 4: Lo que pasa si me paso con el flash, queda muy cantoso y artificial.
Foto 5: Foto entre bambalinas. Un B10p de profoto con un paraguas shallow M con tela difusora ajustado manualmente para proporcionar la misma exposición que hay en el fondo.
Es el refuerzo de tipo I que tiene dos casos: la compensación de un interior y el refuerzo de un contraluz. En esta situación el flash no ilumina el fondo sino solo la figura, por lo que es el fondo el que establece las condiciones de exposición, a las que hay que ajustar el foco.

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This is a «type I light reinforcement» (I don’t like the phrase «fill light»). It is when the figure is dark over a lighter background. Then we add a light which only falls over the figure, not over the background.
Photo 1: the final imagen, the ballerina has the same exposure than the background.
Photo 2: what happens when I expose for the figure. The background is overexposed.
Photo 3: what happens when I expose for the background. The figura is underexposed.
Photo 4: what happens when I use more light than I need (for example, in TTL). The figure is lighter than I want (and not what the camera and the flash has decides they wants).
Photo 5: BTS. Laura dancing (she is a ballerina of the Escuela Bolera
(the spanish classical dance)). Grego with a B10p and a shallow M silver umbrella with diffusor. It was while Grego was showing me the B10p in a testing session.
To know how to adjust the power. First, I never shoot in TTL, it always give more light than I want. I measure the light of the background, the light in the figure (without reinforcement) and the light of the flash with a hanheld photometer. Always.
If the difference in the mearument of figure and background is:
1 stop. Add the same light the figure has.
2 stops. Add 1,5 stops over the figure.
3 or more stops. Add the same light of the background.

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Cobertura de un paraguas

Esta es una prueba para ver la cobertura de algunos de mis paraguas. He colocado un flash a una distancia de 3,16 metros de una pared gris y realizado varios disparos con paraguas. En todas las fotos he cambiado la potencia para que dieran un diafragma f:8.

Empezamos con el flash desnudo. Un siros S 800. El diafragma f:8 lo proporciona al 6,3 de potencia (de 10 que son 800 Ws).

Siros desnudo a 3,16 metros de una pared blanca.

Ahora vamos con un paraguas plano de 105cm, plateado. El f:8 al 6,6.

Y el siguiente es un paraguas parabólico de 110 cm (broncolor focus 110) con la lámpara fuera. El fL8 al 7 de potencia.

Cuando digo «fuera» quiero decir esto:

Y esta es la cobertura del flash con el mismo paraguas parabólico, pero con el foco dentro. f:8 al 6,3 de potencia.

Y con dentro quiero decir esto:

Y termino con un paraguas plateado pequeño, de 80 cm. El f:8 con la potencia a 6,4.

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La luz de calle

Una calle es cuando pongo dos focos a los lados de la escena, mirandose entre si. En el reloj de Millerson, a las 3 y a las 9.. Dos luces laterales, dos luces «hatchet», dos luces «split». En el cuadro de Vaganova, a las 3 y las 7. En el cuadro de Stepanov las 2 y las 4. En los laterales de un escenario se cuelgan unas cortinas que lo recorren en todda su profundidad pero encarados al público, demanera que dividen la escena en corredores. Estas cortinas se llaman «patas» y permiten esconder focos e interpretes que esperan su salida a escena. Cada división horizonal, de lado a lado, que hacen las patas se llama «calle». La primera calle es la que está más cerca del público y la última la del foro, osea el fondo.

Ilustración de mi libro «Luminotecnia» (Ediciones Altaria, 2017) en el que puede verse el esquema de un escenario. Lo dividimos en líneas horizontales enmarcadas por un dintel consistente en tres cortinas, las columnas son las patas y la viga la bambalina. A menudo se conoce esto como «rompimiento», si bien un rompimiento es algo diferente, basado en esta disposición pero que incluye una pintura como decorado y una forma de los elementos recortados para dar mejor idea de la escenografía que se pretende. El espacio entre dos patas es una calle.

En este espacio se colocan unos focos montados sobre una estructura apoyada en el suelo. A veces se le llama «arboles» y técnicamente se oye más «torre de calle».

Una torre de calle con tres focos colocada entre dos patas, que son las cortinas negras que están a su lado.

La luz que produce la calle ilumina los lados de la figura, siendo la base de una iluminación para danza porque modela las formas dandole más importancia al volumen que a la visibilidad. En una iluminación de comedia (obra teatral) importa la visión de la boca, los ojos y las manos, por lo que la iluminación es preferentemente frontal, entendiendo por frontal desde el frente hsta unos setenta grados por delante de la figura, osea de tres cuartos. La luz puesta de esta manera permite ver los gestos de los interpretes y los colores de la indumentaria pero mata el volumen de las formas. Sin embargo la luz lateral, por ejemplo de calle, resta visibilidad a los gestos pero produce un buen modelado de las formas.
Ahora bien, este modelado depende mucho de la posición de la figura dentro de la calle.

Bailarina dentro de la calle.

Al colocar la figura dentro de la calle, en la parte central, quedan iluminados sus lados lo que da mucha fuerza y visibilidad a la redondez del cuerpo y marca una línea central en la parte central del cruce de luces. Es un principio de iluminación que hay que conocer: cuando cruzamos dos luces, en la parte donde más rápidamente cambia la forma de la figura y más cerca esté del cruce de luces, aparece una línea oscura que dibuja las formas. Con este recurso puedo dibujar la tercera dimensión en una fotografía, que por definición es plana.

Pero si coloco la figura al fondo de la calle, con los focos delante de ella, en millerson a las 4 y las 8 enonces pasa esto:

Figura al fondo de la calle. Como veo en las sombras en el suelo los focos están algo adelantados.

Ahora las luces iluminan más por delante que por el lado, y aunque sigue habiendo volumen y sigue habiendo vestigios de la línea oscura central , la forma se aprecia más plana.

Y la tercera manera es colocar la figura al frente de la calle, adelantada.

Figura al frente de la calle. Ahora los focos están algo retrasados respecto de la bailarina.

Ahora la figura está delante de la luz, que ilumina casi desde atrás, lo que en cine se llama una kicker, y que deja el frente oscuro.

Repetimos:

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Revelado en cámara

La cámara me permite revelar las fotos directmente, no necesito llevarlas a capture one o lightroom. Sobre esto di un curso para la Escuela de Fotografía de la Universidad de Cádiz hace unos años que llamé «La exposición perfecta».

Cuando tiras en jpg o tif la cámara hace algunos ajustes que podemos elegir antes de hacer la foto de manera que trabajamos como si fuera película, solo hay que elegir cómo queremos que se comporte la saturación, el contraste y la nitidez.

Además tirando en raw podemos producir un jpg dentro de la cámara con los esos tres mismos tipos de ajustes.

Este es un raw revelado de tres maneras diferentes dentro de la cámara.

La primera con el contraste y la saturacion normal.
Ahora contraste bajo y saturacion alta.
Y ahora al contrario, contraste alto y saturación baja.

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Altura de la cámara

La altura de la cámara establece la relación entre la figura y el fondo paisajístico en el que se encuentra. La cámara baja realza la figura y quita impotancia al fondo. La cámara alta aumenta la importancia del espacio escénico.

Cámara baja. El horizonte queda a la cintura de Laura.
Cámara alta, ahora el horizonte está a la altura de la cabeza.

Con Laura Rodriguez Reina en la terraza del Parador Hotel Atlántico, Cádiz, primavera de 2017.

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Figura y espacio

Altura de la cámara, figura e integración en el espacio.

Normalmente me gusta tirar desde el suelo para dar más énfasis a la figura y abomino bastante de las cámaras a la altura de la cara cuando se trata de sacar el cuerpo entero por entender que entonces se deforman las proporciones. Sin embargo hay un factor que a menudo me hace cambiar la altura y colocar la cámara algo más alta y es cuando quiero dar importancia al espacio en el que la figura se mueve. Hay un compromiso visual entre la posición baja de la cámara que realza a la figura pero desconsidera el espacio y la cámara algo más alta, que integra la figura en el espacio dandole a este la importancia que, a menudo, necesita.

En la primera foto Alba con cámara baja, en la última, la cámara más alta. La figura sigue siendo importante pero crece en esta última foto la atención dada al entorno en el que se mueve.

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Luz de calle, apuntes para un curso de fotografía de danza

En los teatros se colocan luces a los lados del escenario, enfrentadas en tre si y ocultas al público mediante unas telas, las patas, cuelgan desde lo alto hasta el suelo. El espacio entre las patas se llama calle a la luz que obtnemos de esta manera, luz de calle. Estas luces laterales proporcionan un magnífico modelado de las formas y es parte de la base de una iluminación para danza y lucha.

En estas fotos he colcado dos luces a los lados, en posición de calle, para ver las maneras de usarla, La figura puede estar en tres posiciones, detrás de la calle, en medio o delante.

Aquí la bailarina está detras de la calle, yo le digo «al fondo». En la nariz aparee una línea oscura y el cuerpo está mdeolado de una manera casi plana. La cale puede estar a cinco altuas que son rasante al suelo, a la altura de la cadera, a la altura de la cabeza, por encima de la cabeza o muy por encima. Unos valres orientativos sería a 0,2 m, 1m, 1,7m, 2,1m y 6m. En esta foto los focos estásn colocados por encima de la cabeza, cuya sombra aparece en el brazo elevado.

Las sombras en el suelo delatan la posición de los focos.

Luz de calle, al fondo

Cuando colocc la figura dentro de la calle, los focos están a los lados, como puede verse por las sombras en el suelo. El cuerpo queda moldeado, no plano, y aparece una línea oscura en la zona más frontal es el resultado de cruzar dos luces sobre una forma curva, se dibuja una línea que dibuja la tercera dimensión de la figura. El cuerpo lo asimilo a un cilindro, un tubo en mi idea de las cinco formas básicas, los lados del tubo se aclaran mientras que en la parte interior aparece una línea oscura.

Este es el mejor modelado de las formas, pero el que peor reproduce un rostro, que queda distorsionado de una manera bastante fea. Puedo reducir este efecto añadiendo luz frontl, pero no lo he hecho aqui aún.

Luz de calle al centro.

Si coloco la figura delante de la calle, con las luces cruzándose por detrás la dibujo desde atrás con dos lineas claras mientras el cuerpo queda oscurecido. Hay una fuerte reproducción del volumen, aunque muy distinta del curpo dentro de la calle. Puedo aclarar las partes más oscuras con una luz frontal. Que ya mostraré otro día.

Luz de calle al frente
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De como la luz crea las formas

De como la luz crea las formas. Aquí hay dos focos a los lados (una calle). Alba esta en tres posiciones, al fondo de la calle, en el centro y delante de ella. Osea antes de entrar entre los dos focos, en medio de ambos y entre ellos y la cámara.

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Exposición en TTL

O por qué no me gusta el TTL.

El TTL consiste en que el flash mide la luz y ajusta su potencia para ofrecer una exposición correcta.
Pero la idea que tiene el chino que programó el flash y la que tienes tu puede ser muy distinta. Tan distinta como que igual lo que hace tu cámara en TTL tiene poco que ver con lo que tu quieres sacar. Y estas fotos son el ejemplo de como falla un flash en modo automático.
El problema es que la cámara no sabe qué está fotografiando. No sabe si es una cosa negra con algo de luz o una cosa blanco con una hartá de poca luz, así que ajusta el flash a una potencia para que la foto tenga un tono «medio» que solo dior, y el chino que programó lo programó, saben lo que quiere significar.

Entonces pasa lo que pasa. Que si tienes a una persona vestida de negro sobre un fondo negro

Flash en TTL con negro sobre negro.

que la foto sale aclarada, porque al ver la escena tan oscura ha pensado que no tiene luz y, zas, da un zurriagazo de potencia, cuando en realidad lo que pasa es que la escena es negra, oscura por los tonos de las cosas y no por falta de luz. Los tonos están aclarados.
Y si por el contrario lo que tienes es una figura vestida de blanco sobre un fondo blanco

Flash en TTL con blanco sobre blanco.

ahora el flash ve la escena muy clara y corta potencia, y claro, pasa lo que pasa, que todo sale oscuro.

Sin embargo si en vez de usar el TTL hubieramos calculado la luz o medido con un fotómetro habríamos obtenido esto.

Flash en manual.

Ls cosas blancas, claras y el chocolate espeso. Ahora lo blanco sale blanco.


¿Pero significa esto que no hay que usar el TTL? No, claro, lo que signfica es que hay que corregir al flah, enmendarle la plana y decirle que dispare con más potencia si la escena es clara o que de menos potencia si la escena es oscura. La manera de hacerlo depende de tu flash, tienes que buscar un botón que diga algo así como más menos y ajustar números positivos para que de más luz (escena clara que el automático oscurece) o menos (escena oscura que el automático aclara).

Esta foto

Flash en TTL corregido.

está hecha con la corrección a +1.

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