Calle diagonal

El miércoles estuvimos Sarah y yo en estudio haciendo fotos para mi proyecto sobre danza (www.astrollthroughdance.com). En un momento dado quise hacer estas fotos para mostrar la descomposición de la luz que estaba usando y como hacerla.
Esto que pongo en la primera foto es una calle en diagonal. Yo, al menos, lo llamo “calle diagonal”. Primero porque es una calle, osea dos focos enfrentados. Y en diagonal porque no está orientada de lado a lado sino de esquina a esquina, si supones que la figura está dentro de un cuadrado y la cámara a la mitad de una de las aristas. En el reloj de Millerson los focos estarían en horizontal a las diez y media uno y el otro a las cuatro y media. Osea una tres cuartos frontal a la derecha de la imagen y una tres cuartos trasera a la izquierda.

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El resultado es la típica iluminación de película hollywoddiense desde los años ochenta. Un tipo de iluminación que se ha hecho rutinaria y, por qué no decirlo, bastante aburrida ya de tanto verla en el cine norteamericano. De hecho mucho cine de estos últimos cuarenta años que no está hecho en jolivú no usa este tipo de iluminación.

Pero bueno, para muchos parece que les han descubierto Jauja con esta manera de colocar las luces.

Esta iluminación separa la figura del fondo (la tres cuartos de contra) y proporciona mucho volumen al cruzar la frontal y la trasera. Cuando cruzo dos luces sobre una curva aparece en medio de ella una línea oscura, al colocar los focos en diagonal con la figura la línea oscura se sitúa en el pómulo, los brazos y el costado, dando un dibujo extra a la figura y dotandola de mayor tridimensionalidad. Mu mono to, pero cuando se usa como único recurso en toda la película acaba aburriendo y cuando lo ves en todas las producciones de los últimos casi cuarenta años… cansa.

En esta foto enseño la disposición que hice de los focos:

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Hay muchas maneras de hacerlo, aquí son dos stripbox montados sobre elinchrome BRX 500. Sarah lleva otro vestido porque hicimos varios cambios. La disposición tan alta e inclinada era porque quería obtener una luz más horizontal que vertical, para iluminar preferentemente la parte superior del cuerpo al bailar. Despues de todo esto era una sesión de danza.

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Este es un reencuadre de la foto anterior con el set. Los focos están a las 9 y las 3, para el de la descomposición los cambié, como decía, a las diez y las cuatro.  En esta foto la línea negra está en el frente de la figura. Una buena manera de dar volumen al cuerpo pero probablemente la peor forma de dibujar un rostro.

Bueno, voy a lo que vengo.
Esta es la tres cuartos frontal sola:

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La luz que proporciona al rostro es de tres cuartos, porque ilumina tres de las cuatro partes en que se divide la cara verticalmente.

La luz frontal, de tres cuartos, ilumina completamente una de las mejillas y la careta y apenas nada de la otra mejilla. La sombra de la nariz se junta con el labio superior, y esto tiene nombre propio, en la retratística norteamericana se llama rembrandt a esta posición de la luz. Ojo, rembrandt no es un tipo de iluminación sino solo la posición de un foco.
Para completar la iluminación está la tres cuartos trasera (también conocida como kicker).

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La kicker solo dibuja parte del cuerpo y al sumarse a la rembrandt proporciona todo el volumen que queremos. La potencia de la trasera conviene que sea menor que la frontal, porque la piel refleja la luz de manera especular, y por tanto muy intensamente. No es un reflejotonal, como el de la luz frontal, sino especular, lo que hace que con menos potencia de luz la piel aparezca mucho más clara. La forma de controlarlo consiste en reducir la potencia de la trasera.

El resultado, lo repito, es este:

calle diagonal

Por cierto que las fotos que yo quería hacer eran más esto:

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En la que solo están las dos strip altas que solo producen iluminación horizontal.

Y estas:

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En la que la luz alta está complementada con una iluminación vertical desde las 5 (casi frontal a la figura) formada por una octa de 1,2m con otro elincrhom BXR500.
La octa frontal aclara las sombras producidas por las strip altas y permite controlar el contraste en cierto grado.

 

 

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Luz de base y principal

Ayer en estudio. Creo que se ve claramente qué es la cobertura de un foco. Lo de la izquierda es una strip, lo de la derecha una octa. La octa hace de base, proporciona el tono de las sombras. La strip hace de principal, proporciona la dirección de la luz y el modelado. Esta es la forma que mejor resuelve las formas. La otra, la que no lo hace tan bien, consiste en colocar los focos a ambos lados del fotógrafo, pero en vez de modelar hace dobles sombras, cobles brillos modela las facciones hacia dentro de manera simétrica y crea líneas oscuras donde las luces se cruzan.
La strip produce una línea de luz con poca cobertura lateral, lo que nos permite aislar la figura del espacio en que está para no sobreiluminarlo. La base suave de una softbox grande apenas si produce sombra arrojada. El conjunto simula bastante adecuadamente la luz ambiente de una estancia.
La foto está hecha en el espejo que cubre la pared de un estudio de danza.

Contrastes con Klara

Klara en Love2Dance mientras realizábamos las fotos para el próximo libro de iluminación.

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Compensación de interior

La primera foto es el interior tal cual. La exposición está hecha para que se viera el exterior. El contraste es demasiado alto y la cámara no es capaz de obtener detalle tanto fuera como dentro.

 

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Bueno, si que es capaz de captar el detalle en el interior, pero hay que trabajar mucho con el revelado para obtener un resultado poco menos que mediocre.

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Y eso no es algo que puedas hacer con las 380 fotos de este set.

Así que añado un flash y refuerzo el interior para obtener otro resultado. ¿Como se añade el flash? Primero mido el diafragma y obturación exterior. Como el flash no puede iluminar la plaza la cámara hay que ajustarla para que el exterior tenga detalle, pero con la velocidad de obturación de manera que permita sincronizar el flash. Si tienes un flash que sincronice en modo HSS podrás usar prácticamente cualquier velocidad. En este caso, debido a las restricciones de diafragma del objetivo de otro de los fotógrafos decidí que la exposición para el exterior fuera de 1/160 a f:4 para una sensibilidad ISO 400/27.

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El flash es un compacto de estudio de 500w con un reflector rígido angular que hubo que ajustar cinco pasos por debajo de su potencia máxima (es decir, a unos 30js).

La bailarina es Analí Alcántara. El sitio la Puerta de Navarra de la Plaza de España de Sevilla. Un día lluvioso en el que comenzaba la primavera de 2007.

 

 

 

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Reflector dorado

Con el último sol de un par de días antes de la primavera. En frente, algo abajo un reflector dorado. La foto de la izquierda con el reflector bajo a tres cuartos a la derecha de la imagen (izquierda de la escena). Las segunda foto sin reflector, además de algo más oscura, el modelado es distinto y el color esta apagado y ceniciento.

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Dudas de iluminación

¿Cual es la cobertura de un foco esférico? ¿75º verdad?

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¿Orgánico o flasheado?

Vanesa Mensal en la Plaza de España, julio de 2014, la segunda sesión de mi paseo por la danza. Una foto está iluminada con flash más luz ambiente, la otra solo con la luz ambiente. No me gusta la sombra del flash sobre el muro. El foco tenía una brollie de 1,05 metros, osea un paraguas (plateado) con un difusor, no vamos a hablar de la marca del foco, que esta gente no quiere nada conmigo, así que no les voy a hacer publicidad gratuita.
La exposición en ambos casos está determinada por el fondo. La de luz ambiente es 1/200 a f:3,2 para una sensibilidad de 100. La del flash es 1/125 a f:5, lo cual es prácticamente lo mismo y el aumento de contraste que se aprecia en la del flash se debe, digo yo, al aumento de la profundidad de campo. Así que el flash ha aclarado las sombras de la figura y cambiado el modelado de las luces.
La composición de luces en ambos casos es por términos de profundidad. Hay un primer término, la bailarina y el muro, un segundo, el suelo de la plaza que se ve entre la balustrada y un tercer término que es el edificio del fondo (la torre norte de la plaza), las galerías norte y los árboles.
En la foto orgánica el primer término es más oscuro que todos los demás y crea profundidad, veo profundidad debido a las luces, además la iluminación de la bailarina es más lateral, lo que me gusta bastante, de hecho he acabado eligiendo este sitio para simular la luz barroca de Sevilla.
Pero en la foto del flash el primer término ha igualado la luminosidad del segundo y, aunque tengo más detalle en la bailarina y por tanto menos ruido y por tanto será más fácil ampliar esta foto, creo que he perdido profundidad. Aunque el juego de luces sigue siendo una composición en profundidad ahora ya no veo el esquema oscuro-claro-medio de la foto orgánica.

Para mantener el equilibrio original debería emplear un foco con una boca mucho más grande, por ejemplo haberme llevado la octa de 1,5m en vez del paraguas de 1,05 y bajar la intensidad de la luz, que con el aumento del tamaño del flash probablemente será muy poca reducción en la potencia que tuviera que hacer. La octa me difuminaría aún más la sombra sobre el muro quizá habría respetado más el equilibrio de luz lateral-frontal que tenía la escena original. Además, debería colocar el flash más a las 5 que a las 6, como está aquí.

 

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Respetar la perspectiva

La perspectiva no hay que corregirla, solo hay que respetarla.
Las fotos son del Pabellón Mudejar en Sevilla, sede actual del Musero de Artes y Costumbres Populares.
Las dos fotos están hechas con un 24mm en paso universal. En la primera he inclinado el objetivo para poder encuadrar toda la fachada. El resultado me parece espantoso. No veo las proporciones del edificio, supongo que las torres son verticales, pero realmente si tuvieran alguna inclinación no las percibiría.
El problema es que al inclinar la cámara hacia arriba las verticales fugan y deforman el edificio.
Cuando los arquitectos son chiquititos tienen a un profesor de procedimientos gráficos que les dá reglazos en el cogote cada vez que dibujan una pared mirando hacia arriba. Desarrollan así una respuesta automática que les produce sudores fríos cuando ven unas verticales fugadas.

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La segunda foto es como tienen que hacerse las cosas. La perspectiva no está “corregida”, sino respetada. La perspectiva no hay que corregirla solo no hay que cargarsela. Ahora se ve que las verticales son verticales y vemos claramente la obra que creó el arquitecto, con su modularidad y sus proporciones.
Para hacerlo hay que dejar la cámara con el respaldo paralelo a la fachada. Es decir, no inclinarla. Cuando lo haces no coges el techo, así que en vez de inclinar la cámara lo que hay que hacer es subirla pero manteniendola perpendicular al suelo.

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Para hacerla he usado el 24mm descentrable de canon. El descentramiento es un desplazamiento de las lentes del objetivo de manera que “baja” el techo del edificio. La cámara se mantiene vertical, paralela a la fachada, con lo que la parte superior del edificio se pierde por la parte de arriba del fotograma, al descentrar el objetivo la parte superior baja dentro del encuadre. La bajada que se produce en el edificio es el resultado de multiplicar cada milímetro de desplazamiento del objetivo por el factor de escala con que estemos trabajando en ese momento.

 

 

 

 

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